Brianna Rigg

Mi trabajo escultórico y de instalación gira en torno a mi práctica dibujística. Durante los últimos 20 años, he realizado composiciones improvisadas con tinta negra sobre papel que combinan el dibujo imaginativo con el dibujo de observación y el de memoria. Estos dibujos siguen el patrón de mis pensamientos, hacen eco de mis sueños y son alimentados por mis deseos. Poco a poco, he desarrollado una práctica escultórica que hace lo mismo. Mis instalaciones son dibujos en espacios reales que el espectador puede habitar.

                Mi trabajo tridimensional se ha centrado en el uso de objetos apropiados. He seleccionado colecciones muy refinadas de artículos obtenidos en tiendas de segunda mano y de descuento y los he ensamblado en paisajes que exploran la relación de la cultura capitalista con la naturaleza y el lugar. Una táctica importante en mi trabajo es transformar los bienes de consumo en paisajes naturales que se asemejen al área de San Diego; su mar, tierra y cielo. Mis instalaciones son coloridas, alegres y seductoras, pero aluden a la destrucción del entorno natural porque se asemejan a escombros esparcidos y basura del océano. Si bien mi trabajo ilumina algunos de los lados oscuros del capitalismo, busco crear una experiencia de sanación y apertura del corazón para el espectador. Creo que al colocar los bienes de consumo en un conjunto de relaciones que se asemejan a un ecosistema, estoy animando estos objetos e infundiéndoles el espíritu, la maravilla y el misterio de la naturaleza. Tengo la intención de subvertir el capitalismo utilizando sus productos para inspirar al espectador a reconocer el valor inherente del mundo natural.

 En el estudio, mantengo al espectador en mis pensamientos como un colaborador imaginario. Siempre tengo la idea de construir un paisaje para que el espectador lo reorganice. Esta intención está inspirada en el concepto situacionista de urbanismo unitario, en el que debemos participar individual y colectivamente en la remodelación de nuestros entornos. Los Situacionistas argumentaron que la remodelación de la arquitectura y la ciudad va de la mano con la remodelación de la sociedad. Yo también creo en esta idea y espero que mis instalaciones rompan el consumismo pasivo al ofrecer un ejemplo de interacciones creativas y constantes con el mundo material.

En una ocasión realicé un trabajo participativo, Waiting Places, 2017, fue una colaboración con el músico y compositor Michiko Ogawa y fue parte de Springfest en Bread and Salt en San Diego. Llené una habitación con esculturas y objetos para que el espectador los manipulara y arreglara; y Michiko tocaba música electrónica que respondía al espectador comprometido. Este proyecto fue una extensión de mi trabajo como profesora adjunta de escultura. Cada semestre comienzo mi instrucción con un ejercicio similar, colocando objetos para que los estudiantes los reorganicen.

                 La composición y el acomodo son mis aspectos favoritos de la creación artística porque implican crear espacios afectados por la relación entre las cosas. Cuando organizo objetos, considero que desempeñan roles sociales porque se alimentan entre sí de formas que cambian cada vez que se mueve un objeto. Me encanta este proceso y quiero que el espectador también lo experimente, por eso pretendo hacer trabajos más participativos en el futuro.

                 Al realizar una instalación a partir de objetos encontrados, me involucro con el espectador de una manera extrovertida. Busco hablar un idioma que el espectador pueda entender porque está construido a partir de formas reconocibles. Pero mi trabajo actual es más introvertido. Estoy trabajando mucho en cerámica y busco crear objetos originales para utilizar en estos arreglos. Este trabajo es más personal y se parece más a mis dibujos que a mi trabajo anterior. Mi práctica dibujística es un filtro de mi experiencia. Es un método para asimilar el mundo que me rodea y procesarlo emocionalmente. Al igual que mis instalaciones, mis dibujos son una forma de procesar y reorganizar el mundo externo, pero este proceso está más vinculado a mis emociones cuando dibujo.

    Considero que mi trabajo tiene éxito cuando de él emergen formas nuevas e inesperadas. En mis dibujos, estas son criaturas que emergen de manera gradual y sinérgica a través de capas de trabajo de línea. Y en mis instalaciones, esta vivacidad existe como el aura de la obra, la sensación general de un espacio. Mi principal objetivo es que mi trabajo contenga una vibrante fuerza vital. Espero que esta fuerza pueda ser aprovechada por el espectador, para obtener la energía necesaria para remodelar el mundo que le rodea.

JM: ¿De dónde eres originalmente, es posible establecer alguna conexión entre tu lugar de origen y tu obra?

BR: Crecí en Ashland Oregon, desde los 3 hasta los 18 años. Los primeros tres años de mi vida los pasé alejada de comodidades en Bonanza Oregon. Mis padres, que eran hippies,  huyeron de Los Ángeles por miedo a que sus conflictos internos la destruyeran. Ellos pasaron 12 años viviendo en un bosque sin agua corriente ni electricidad. Mi papá construyó nuestra casa poco a poco partiendo de una cúpula geodésica y agregando a la estructura materiales de construcción a medida que podíamos pagarlos. Crecí pobre para los estándares estadounidenses. Hacíamos cosas como emprender viajes largos por carretera sin tener suficiente dinero para la gasolina de regreso a casa.

La discusión de clases alimenta mi trabajo tanto como mi contexto. La ingenuidad de mis padres me inspira. Cuando era niña, tenía un fuerte deseo por las cosas materiales. A menudo robaba cosas para regalar a mis amigos; Quería crear la ilusión de que mi familia tenía dinero. Mi obra de arte acoge la humildad de los materiales, de alguna manera, creo que estoy compensando la vergüenza que sentí de la clase en la que crecí.

Cinco años después de que me mudé a Ashland a la edad de tres, mi papá perdió nuestra casa en la montaña. Nunca ha revelado cómo la perdió. He pasado la mayor parte de mi vida anhelando un hogar. Mi trabajo es un esfuerzo por vincularme con mi entorno y por fabricar un mundo al que pertenezco.

JM:  ¿Cómo surgió la decisión de dedicarte al arte, específicamente a la escultura? ¿Fue un interés que se expresó de manera temprana en ti?

BR: Después de la preparatoria, estaba desesperada por ser artista y aterrorizada de contárselo a la gente. Hice un viaje de 4 meses por Europa cuando tenía 19 años y tomaba fotografías constantemente mientras estuve allí. Estudié cine y video durante mis primeros dos años en The Evergreen State College, pero también estuve expuesta al arte escénico y a la instalación. Mientras tanto, seguía dibujando a escondidas. Todo mi arte nace del deseo. Mi dibujo floreció cuando estaba en la universidad porque traté de usarlo para curar mi soledad. Solía ​​dibujar personajes en papel adhesivo llamado "Valentine Lonelies" y pegarlos por la ciudad el Día de San Valentín. El filme y el video no funcionaron para mí; No entiendo el tiempo para nada. Sin embargo, la instalación me atrapó, aprendí que necesito estar físicamente envuelta en mi trabajo para entenderlo. Cuando decidí concentrarme en la instalación en mi último año, lo hice porque sentí que podía usarlo para hablar con claridad. Ahora, estoy mucho más interesada en la confusión.

JM: ¿Cuáles son algunas de las primeras cosas que tienes en cuenta al realizar una instalación?

BR:  No puedo trabajar a partir de una idea concreta. Mi trabajo tiene que crecer orgánicamente. Soy profesora adjunta, por lo que suelo hacer arte durante el verano en mi salón de clases. Empiezo mi trabajo jugando con lo que me rodea. A veces trabajo con proyectos que los estudiantes han dejado abandonados. Me convierto en una máquina que transforma lo disponible. Pero después de una semana o dos de trabajar con las cosas que están por ahí, comienzo a determinar una estrategia de diseño para guiar mis elecciones de materiales. Desarrollo una paleta de colores. Decido qué tipo de texturas quiero usar, qué tan pesado quiero que sea el trabajo y qué métodos quiero emplear. Como artista joven, era consciente de usar mi trabajo para navegar por las opciones del consumo. Necesitaba responder a la pregunta de qué comprar, qué conservar, de qué deshacerse. Mi trabajo se convirtió en una especie de filtro de objetos y aprendí a elegir cosas por su capacidad para activar otras cosas. A lo largo de los años, he aprendido a desperdiciar mucho menos los materiales que colecciono; siento que esto es un logro.

JM: Usas una amplia variedad de medios en tus trabajos. Tengo curiosidad por saber dónde obtienes tus materiales y cómo decides qué materiales incorporar en tus instalaciones.

BR: Mucho de lo que hago es tomar materiales que tienen su origen en la naturaleza (todos los materiales lo tienen) y devolverlos a la naturaleza como una forma de construcción artificial. Intento animar los objetos poniéndolos en relación con un entorno.

Crecí sin televisión así que para mí, la cultura siempre se ha transmitido de manera más concreta a través de objetos. Hoy vivimos una época en la que lo virtual está más presente. Pero sigo respondiendo a lo físico. Entonces, cuando compro, creo que estoy experimentando la cultura. Solía ​​enamorarme de la idea de que al trabajar con un objeto que fue poseído anteriormente, tenía una conexión con el propietario anterior, y que mi trabajo era una forma de explorar esta conexión. Pero algo que he aprendido a lo largo de los años es que me aburro de trabajar con el mismo tipo de objetos. Así que he buscado trabajar con objetos de Walmart, tiendas de artículos deportivos, pacas de objetos gratis, trueque y, por supuesto, tiendas de segunda mano. Elegir dónde comprar determina cómo se manifestará el trabajo. Mi elección de dónde comprar también depende de la cantidad de dinero que tenga.

Sin embargo, mi trabajo está cambiando mucho. Estoy cansad de ir de compras. Mis tarjetas de crédito están al máximo y mi unidad de almacenamiento está llena. He disminuido la velocidad y he empezado a hacer cosas a mano. Mi práctica anterior exigía una especie de disonancia cognitiva a la que no creo que pueda volver. Me refiero al tipo de pensamiento que es cómplice del consumo excesivo. Pensé que estaba mejorando el consumo excesivo al hacerlo más satisfactorio. Amo mi trabajo anterior, pero ya no puedo consumir a ese nivel. Así que poco a poco he ido haciendo un gran cambio en la forma en que hago las cosas. Me preocupa el medio ambiente; la costa oeste está en llamas actualmente. Todos necesitamos cambiar y comenzar a hacer las cosas de manera diferente, para fortalecer nuestro compromiso con el planeta. Estoy agradecido de que mi práctica me ha ayudado a interiorizar mi entorno. Los bosques de Oregón están conmigo porque he desarrollado una relación con ellos al tratar de simularlos en mi trabajo. Ahora siento los incendios forestales dentro de mí. Creo que todos deberíamos sentir eso. Creo que el arte puede aumentar nuestras habilidades empáticas, y esto es necesario.

JM: Una vez que reúnes los materiales / objetos, ¿estás interesada en su potencial para asumir nuevos significados y / o interpretaciones? Si es así, ¿de qué manera?

BR: Me interesa el potencial en general; el potencial es la clave de la creatividad. Intento enseñar a mis alumnos a reconocer el potencial en cosas como materiales, ideas, problemas y situaciones. Estoy tratando de sugerir al espectador que el mundo material es mutable. Espero que mi trabajo abogue por una manipulación / personalización de los bienes de consumo. Apenas pego o sueldo cosas juntas, mi trabajo es un ensamblaje suelto de piezas apiladas y encajadas. Quiero que esas partes se utilicen de manera diferente en el futuro, ya sea por mí en mi próxima instalación, o por el espectador, mis alumnos o el próximo propietario del objeto.

JM: ¿Hay alguna fuente de inspiración recurrente que sea evidente en tu obra como la literatura, la música, la naturaleza, etc.?

BR: Sí, definitivamente la naturaleza. Para mí, la naturaleza es lo más importante. Creo que creamos cultura para conectarnos con la naturaleza. Desde mi experiencia, no estoy completamente conectada cuando simplemente observo. Me encanta observar, pero necesito ser parte activa de la naturaleza. Intento recrear la naturaleza con artefactos. La música también está ahí, y esto tiene que ver con la razón por la que hago instalaciones. Busco construir sistemas complejos que armonicen. Mi intención al armonizar consiste en crear un espacio que parezca tener un equilibrio natural. Esto también tiene que ver con la composición. Creo que mi enfoque hacia la composición es más musical que, digamos, pictórico.

JM: ¿Puedes explicar cómo se sostiene todo? ¿Qué papel juega la gravedad en tu proceso de montaje?

BR: La gravedad es de gran ayuda y la usó en vez de pegamento. Las cosas se sostienen como resultado de una serie de negociaciones. Siempre trato de equilibrar los objetos en el estudio para que se mantengan de pie el tiempo suficiente para dar un paso atrás y verlos bien. Cuando muestro mi trabajo, a veces retrocedo y refuerzo los puntos de unión con cinta o cuerda para asegurarme de que el trabajo no se derrumbe o no lastime a alguien. Mi instalación de 2015 After the Victory Dance tenía muchas cosas que colgaban de algunos cuantos puntos en el techo; los objetos estaban encadenados en una red a manera de telaraña. Negociar la estructura de esta manera lleva tiempo. Al hacer After the Victory Dance en Helmuth Projects en San Diego, Josh Pavlick, que dirigía el espacio, me dio 5 semanas para instalarla. Creo que el trabajo nunca se habría manifestado sin el apoyo extraordinariamente generoso de Josh. Fue el colaborador silencioso de la escena artística de San Diego durante unos 10 años hasta que cerró Helmuth.

JM: ¿Cómo, si es el caso, has tenido, que adaptar tu práctica en tiempos de COVID?

BR:Comencé a ajustar mi práctica antes de COVID-19 y está comenzando a solidificarse como una nueva forma de trabajar. COVID me ha hecho aislarme un poco en silencio. Así ha ido encajando mi nuevo trabajo, que es mucho más introvertido. Intento mantener mi trabajo más cerca de mi corazón y pensar menos en el espectador o en la situación de la exposición. Durante mucho tiempo, sentí que tenía algo que quería compartir con el mundo. Quería crear una experiencia para los demás. Pero llegué a un punto en el que me sentía agotada, así que estoy haciendo un trabajo que me nutre más ahora, esto tiene mucho que ver con acercar mi práctica  escultórica a mi dibujo. El dibujo es donde me siento más a gusto, pero tiene la limitación de ser bidimensional, por lo que siempre me sentiré alejada de la realidad. Lo que realmente quiero hacer es crear un entorno fuera del mundo del dibujo. Siempre he apuntado a eso en mi trabajo anterior, y trabajar con objetos encontrados me ha permitido componer de la misma manera que lo hago con mis dibujos. Pero ahora quiero construir las formas y componerlas. Este es un proceso mucho más lento y me estoy tomando mi tiempo.

Gracias por las excelentes preguntas, Joshua.

Brianna Rigg es profesora de escultura en la Universidad de San Diego. Recibió su MFA en la Universidad de California en San Diego en 2011, y su BA del Evergreen State College en 2002. Ha tenido exposiciones individuales en espacios como Best Practice, Helmuth Projects y Space for Art en San Diego; y ha mostrado su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego, Highways Performance Space en Los Angeles, Sediment Arts en Richmond y Fjord Gallery en Filadelfia, además de otras exposiciones en todo el sur de California.

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