Arthur Monroe fue un pintor expresionista abstracto activo a partir de la década de 1950. Fue profesor de estudios afroamericanos en la Universidad de Berkeley y en el San Jose State College. También trabajó registrando la obra del Museo de Oakland durante 35 años. Monroe fue el artista fundador que creó The Cannery, el estudio de artistas para vivienda / trabajo más antiguo de Oakland. Obtuvo ayuda para estabilizar los espacios de trabajo y vivienda de los artistas y ayudó a desarrollar la primera conferencia estatal para artistas afroamericanos. Monroe fue un orador en la Primera Conferencia Internacional de Ecociudades y sirvió en el Comité Directivo de todas las Conferencias Internacionales de Ecociudad.
Monroe, nacido en Brooklyn, pasó sus años de formación en la ciudad de Nueva York. Fue durante esos años que se hizo amigo cercano de Charlie Parker, quien le aconsejó "conocer su hacha", lo que significaba conocer su oficio. Monroe siguió este consejo durante toda su vida.
El expresionismo abstracto fue el estilo artístico estadounidense predominante en la década de 1950 y, en general, se reconoció como el arte modernista más importante que se haya producido después de la Segunda Guerra Mundial. Como joven artista, Monroe se sumergió en el emocionante entorno del East Village. Tenía un estudio frente al de Willem De Kooning y rondaba el Cedar Street Bar, donde conoció a algunos de los expresionistas abstractos más aclamados, incluido Franz Klein.
El joven Monroe sintió la necesidad de examinar fuentes de arte visual no europeas, por lo que abandonó Nueva York y viajó a México en su búsqueda. Estaba particularmente interesado en las fuentes inherentes que se encuentran en las culturas de los mayas, zapotecas, mixtecas y olmecas. Deseaba involucrarse íntimamente con culturas que ofrecían puntos de vista espirituales, filosóficos y estéticos diferentes a sus antecedentes en el mundo del arte convencional de Nueva York.
Monroe regresó a los Estados Unidos, primero a Big Sur y luego a San Francisco, durante la legendaria Era Beat de North Beach a fines de la década de 1950. Se convirtió en un participante importante en una escena artística que involucraba a muchos otros artistas.
Sin embargo, Monroe siguió comprometido con sus raíces expresionistas abstractas, que le proporcionaron una forma de expresión en la búsqueda de nuevas verdades visuales.
Angustiado por cada etapa del proceso pictórico, Monroe pasaba hasta tres años en una pintura. Incapaz de pintar nada que no fuera una expresión de una verdad visual laboriosamente desarrollada, Monroe evitó los dibujos como un recurso de ejecución, sintiendo que esto solo reflejaba lo que surgía de la mente de manera superficial. Las ideas iniciales se transformaron enormemente a medida que las verdades internas luchan por expresarse.
Nada estaba claro antes de tiempo. Monroe trabajaba más como científico, haciendo una gran cantidad de preguntas antes de encontrar su hipótesis. Muchos pintores pasan por alto este proceso porque ni siquiera saben que existe. Un artista aprende de los errores, como si la piedra supiera más sobre la escultura que el propio escultor. Monroe enfrentó sus materiales como un desafío; cuanto más los manejaba, más apreciaba lo que podían hacer.
Las innovaciones visuales son un subproducto del mismo proceso laborioso de la participación de Monroe con el medio. Una pintura terminada es única en sí misma y nunca sirve como prototipo de declaraciones visuales serializadas linealmente. Como en la era más pura del expresionismo abstracto, preocupaciones ajenas como las posturas ideológicas nunca dictan el resultado de una pintura.
Monroe quedó encantado por la tendencia del expresionismo abstracto por el trabajo a gran escala. Observó que, si bien el arte modernista europeo antes de la Segunda Guerra Mundial tenía un concepto monumental, no siempre era de gran escala. Inicialmente se sintió atraído por las pinturas expresionistas abstractas estadounidenses que tenían el potencial de hacer que su impacto fuera mucho mayor en el espectador al alterar la escala de la obra. Monroe continuó descubriendo que el espacio entre la pintura y el espectador se vuelve más cargado debido a las formas, colores y pinceladas ampliados.
Después de irse de Nueva York, Monroe se sumergió en una investigación de culturas no europeas que se extendían desde Nigeria hasta el Amazonas. Se inspiró en T.S. Eliot y Langston Hughes, quienes dijeron que realmente no se pueden escribir poemas hasta que se aprende a pensar en otro idioma. Monroe siguió siendo el prototipo de artista underground que creía, como Hughes, que realmente no se comprende a sí mismo, su cultura o su arte hasta que comprende lo que hay en la persona que tiene menos. Monroe también creía que esta noción también se aplica a la escena del arte, donde cada movimiento artístico es un vínculo importante y ninguno es más importante que otro. En definitiva, todos los artistas forman parte de la cadena; estas son algunas de las ideas de las que se nutre el arte de Monroe, así como la enseñanza de Charlie Parker sobre el vivir y la vida: "conoce tu hacha: conoce tu instrumento antes de hablar con él".
Crédito de la foto: Torre McQueen y Kirk Crippens
Preguntas y respuestas entre Brett Amory y Alistair Monroe
BA: Primero quiero agradecerte por tomarte el tiempo para responder estas preguntas. ¿Puedes hablar un poco sobre los orígenes de Arthur, dónde creció y cómo comenzó a pintar?
AM: Nacido en Brooklyn, distrito de Bedford Stuyvesant en 1935, Arthur asistió a Boys High y pasó sus años de formación en la ciudad de Nueva York. Cuando era adolescente, trabajó en una agencia de publicidad y hacía mandados para un amigo y mentor de la familia, Gene Cropper. Después del trabajo, estudiaba pintura y pasaba tiempo con el hijo de Gene, Harvey Tristan Cropper, quien impartía clases privadas de arte. El alumno más apreciado de Cropper fue la leyenda del jazz, Charlie Bird Parker, que quería ser un pintor abstracto. Arthur se hizo amigo de Parker y otros músicos de jazz.
BA: Mencionaste antes que Arthur, en la década de 1950, pasó mucho tiempo en Greenwich Village y Harlem y se hizo amigo de los legendarios músicos de jazz Charlie Parker y Max Roach. También mencionaste que el estudio de Arthur estaba cerca del estudio de William de Kooning y también que él conocía a Hans Hofmann, Franz Kline y otros artistas del expresionismo abstracto. ¿Qué tipo de impacto tuvieron estas relaciones en Arthur y su trabajo?
AM: Arthur se sintió atraído inicialmente a los pintores expresionistas abstractos estadounidenses que tenían el poder de impactar a su espectador al alterar la escala de su trabajo. Descubrió que el espacio entre las pinturas y el espectador se cargaba más debido a las formas agrandadas, los colores y las pinceladas, lo que le fascinaba.
Arthur era vecino de De Kooning y Kline y se juntaba con Cropper y Bird. Esta fue una receta para su futuro hasta que fue reclutado en la Guerra de Corea. Una vez que dejó la ciudad de Nueva York y regresó de la guerra, se había sumergido en una investigación de culturas no europeas que se extendían desde Nigeria hasta el Amazonas. Había seguido el ejemplo de T.S. Eliot y Langston Hughes, quienes dijeron que realmente no se pueden escribir poemas hasta que se aprende a pensar en otro idioma. Arthur siguió siendo el prototípico artista underground que creía, como lo hizo Hughes, que realmente no te entiendes a ti mismo, a tu cultura o tu arte hasta que entiendes lo que hay en la persona que tiene menos. Arthur también creía que esto se aplica a la escena del arte, donde cada movimiento artístico es un vínculo importante y ninguno es más importante que otro.
Al pintar, escuchó los trazos y los espíritus que siguieron. Continuó sintiendo la necesidad de examinar todas las culturas y fuentes de las artes visuales y viajar en busca de ellas en México, en particular las fuentes inherentes a las culturas de los mayas, zapotecas, mixtecasy olmecas. Deseaba involucrarse íntimamente con culturas que ofrecían puntos de vista espirituales, filosóficos y estéticos diferentes a sus antecedentes en el mundo del arte convencional de Nueva York.
BA: Arthur fue reclutado para la Guerra de Corea en 1952. Cuando regresó, se mudó a California. Después de vivir unos años en Big Sur, se estableció en North Beach de San Francisco y se convirtió en parte de la Generación Beatnik. En 1975, Arthur fue el primer artista en mudarse al Oakland Cannery y fue responsable del cambio de código para hacer del edificio un lugar para para vivir / trabajar. ¿Cómo descubrió Arthur The Cannery y qué pasos tomó para que el edificio se dividiera en zonas para vivir / trabajar?
AM: Antes de Oakland, Arthur vivió en el distrito de North Beach de San Francisco. Sin embargo, después de ser expulsado por la gentrificación, estaba buscando un lugar tranquilo al cual llamar hogar. Recomendado por un amigo que vio un anuncio en un periódico local de espacios de estudio disponibles, Arthur visitó Cannery y firmó un contrato de arrendamiento de $300 al mes por 3000 pies cuadrados.
Los estudios para vivir / trabajar ya existían en Nueva York, pero todavía eran un concepto extraño en Oakland y California. Inspirado por la historia cultural de Nueva York, Arthur buscó crear su visión de viviendas asequibles para artistas y similares.
BA: En 2017, una empresa de cannabis de Colorado compró The Cannery y los inquilinos de The Cannery se enfrentaron al desalojo. Gracias a tus esfuerzos, los de tu padre y otros inquilinos de Cannery, el Ayuntamiento aprobó una legislación que protege a los residentes de Cannery del desalojo. ¿Puedes hablar sobre tu experiencia viviendo en The Cannery y el trabajo que tú y tu padre han hecho para preservarlo?
AM: El Oakland Cannery ha sido mi hogar desde que era niño. Era donde Arthur quería crear viviendas asequibles para artistas afroamericanos. Arthur fue pionero en este entorno y luego fue amenazado con el desalojo por las mismas políticas que intentó impulsar. Combinando nuestras fortalezas y recursos personales, desafiamos el sistema legal al exponer nuestros esfuerzos al público mediante el lanzamiento de una campaña de marketing para proteger nuestros hogares. Oakland avergonzó a Arthur, ¡pero yo no pude!
A través de un esfuerzo combinado, en 2018, el Ayuntamiento de Oakland aprobó enmiendas a las ordenanzas de cannabis de la ciudad que dieron como resultado una protección temporal para los residentes de The Cannery. Las ordenanzas sobre el cannabis dieron como resultado la protección de más de 100 edificios y ayudaron a que más de 2000 viviendas residenciales fueran retiradas del mercado.
BA: El año pasado produjiste una exposición en Jack London Square para Arthur. ¿Fue un éxito y cómo fue trabajar con Arthur?
AM: ¡La exposición fue un gran éxito! Fue una retrospectiva y una celebración por la incorporación de Arthur a los Archivos Smithsonian de Arte Estadounidense. Siendo la primera vez que trabajábamos juntos, la curaduría de la obra definitivamente tuvo sus desafíos, pero fue una experiencia que nunca olvidaré.
La exposición tuvo un gran aforo y fue muy bien recibida. Tuvimos visitantes de todo el mundo. Nos reencontramos con amigos lejanos y descubrimos historias mágicas. A medida que pasaba el tiempo aprendimos tanto de los estudiantes, los funcionarios de la ciudad y los profesores que nos bendijeron con colores brillantes.
Vivir con Arthur tenía muchos obstáculos, algunos importantes y otros no tanto. Sin embargo, cuanto más nos acercamos, más mostrábamos nuestros talentos y compromisos artísticos. Logramos completar su lista de objetivos por realizar. El último sueño se hizo realidad cuando fue reconocido por el Instituto Smithsonian de Archivos Estadounidenses y luego por el Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana.
Para obtener más información sobre Arthur y el Oakland Cannery, visite www.theoaklandcannery.com